明石艺术策划团队，2008年4月由四名立志投身艺术史论事业的美术史专业毕业生创立。

明石艺术策划团队致力于发掘有潜力的当代艺术家，通过学术沟通、展览策划、刊物出版等多种艺术活动形式为艺术家、艺术机构以及愿与艺术建立联系的社会机构提供艺术交流平台。

团队无论是自身建设，还是其学术性实践，目的在于积极参与并推动中国视觉艺术的前进和发展。明石艺术策划团队积极探索中国视觉艺术的可持续发展之路，在务实的运作态度下，逐步建立一种持续稳定艺术管理体制。

我们的邮箱:brightstone08@163.com

明石成员简介 <<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<

原來的轮廓—黃慧妍的艺术 观察社 | OBSERVATION SOCIETY
广州市海珠区穗花新村一巷8号
2009.09.05–2009.10.15

如果不熟悉广州美术学院附近的地形恐怕很难找到黄慧妍个展的空间：观察社（Observation Society），那是一个藏在小巷中，不足50平方米的白色空间，要不是租给这些艺术家，估计那里是一家杂货店。黄慧妍的作品包括一些手绘和影像，被对称的陈列在这个干干净净的小空间里。...

图像的辩证法：舒群的艺术何香凝美术馆OCT当代艺术中心 |OCT CONTEMPORARY ART
深圳市华侨城恩平路
2009.06.20–2009.08.20

舒群是上世纪八九十年代“北方艺术群体”的组织者之一，此次由黄专策划的展览，共分为“绝对原则”、“走出崇高”、“象征秩序”三个单元，意图全面展示舒群整个艺术创作的脉络。...

思想的盛会 2009.11.06 “国家遗产——一项关于视觉政治史的研究”这一项目历经了两年的准备，于10月17日从英国曼彻斯特移师深圳OCT当代艺术中心。该展览是由黄专和英国音乐家、艺术家、策展人约翰•海雅特主持，何香凝美术馆OCT当代艺术中心和英国曼彻斯特都会大学艺术设计创新研究院共同开发的文化视觉史研究项目。

 

左图：阿拉里奥画廊艺术总监尹在甲。右图：摄影评论家...

两湖对垒？ 2009.08.11  

左图：广东美术馆馆长王璜生。右图：深圳画院院长严善錞、策展人彭德、艺术家黑鬼、批评家鲁虹。

 

《两湖潮流——湖北•湖南当代艺术展》7月31日早上在广东美术馆开幕。展览属于广东美术馆“’85以来现象与状态系列展”的第四站，继东北、西南和广州站之后，策展团队仍然选择以地域作为呈现...

时间内外 [广州]

2009.04.16       转自artforum

喻红的个展《时间内外》于2009年4月10日下午在广东美术馆开幕，此次展览展出了喻红从1999年至今的大部分作品，包括最新的巨幅油画《天梯》和《春恋图》、树枝画系列和目击成长系列等，当天也是王小帅导演的《冬春之后——喻红篇》（2009）的首映。

此次展览可以说是喻红近年来最大的个展，在开幕式上，喻红身穿修长的灰色礼服，成熟庄重，惊艳四方，成为媒体和观众全程追逐的对象。同时出席开幕式的还有策展人郭晓彦、香港画家梁洁华、长征空间的卢杰、导演王小帅和中央美术学院油画系主任谢东明。一贯以来，广东的个展均难以做到如北京上海那般热闹，但这次画展开幕却使美术馆大厅的里里外外都挤满了客人。由于喻红和刘小东一向对写实语言的探索和坚持在学院体系中负有盛名，再加上这是喻红首次在广州做个展，自然吸引了大批慕名而来的美术院校师生。

二楼的展厅展出了喻红的最新作品《春恋图》，那是四张四米乘三米的组画，构图方式借用了唐代宫廷画家张萱的《捣练图》。对名作借用，关键不在于手段而在于目的，只有结合喻红其他作品进行整体阅读，才能更好地发掘其内在的连贯性。关注自身，即关注自身作为一名女性在国家和社会中的角色仅是第一层解读线索，再进一步，可明显地注意到画面中出现了不同年龄层的女性——小孩、青年、孕妇和“她们”身边的琐碎物在一起，但没有老人，或许由于艺术家没到达那一阶段。画卷的末端是喻红和一个头顶羽冠，脚打着石膏的女性形象站在一起，这似乎是喻红本人的工作状态，她正在制作 “赵波”，“赵波”的形象多次在喻红的作品中出现，不少观众都好奇“赵波”的真实身份，我在林旭东写给喻红的文章里面找到了答案：“……画家在这里留下了其本人的行踪，她正在为被抑郁症所困多次自杀未遂的女作家赵波受过伤的腿拓制石膏模型。大功马上就要告成，画家正着手打开已经成型的模具……”。在同一个展厅中，还有高七米长1米多的丝绸作品，三段金色的丝绸组成《她们改变了自己》，上面是一些小孩子联系体操的形象。丝绸的质感细腻而温润，让人联想到母亲的质感。除了对女作家的悲剧，小孩的好奇，少女的天真等一系列与女性体验有关的记录，艺术家还在不断质疑，否定和再创造，个人经验与社会叙事两条线索交织的画面则诚实地对生命做出了阶段性反映。

在美术馆的二层和三层之间有个旋转式楼梯，旁边的墙正好放置《天梯》，二层是正面仰视的最佳角度，而三层则可以近距离见到挤向“天梯”尽头的云云众生。在我看来，这系列作品唯一值得商榷的地方在于色彩。喻红的新作运用了大量金色作为底色，金色华丽高贵，同时也很难伺候，任何色彩在金色面前都显得逊色。在这批新作里面，装饰感多少遮盖了作品应有的绘画性，这不能不说是一种遗憾。

少有艺术家可以把自己的生活与作品结合得如此紧密，可以说喻红的创作更多的是围绕着她的成长与她的家庭。在展厅里面循环播放着王小帅在1993年拍摄的故事片《冬春的日子》，主角是刘小东和喻红，其实故事带有半纪录片的性质，讲述两个年轻艺术家在艺术理想与现实之间的抗争和坚持。这部表面粗糙的黑白片子，让我读到了那个时代的理想主义激情，又为喻红今天的成功做了最好的脚注。

— 文/ 吴建儒

日（日）夜（夜）

维他命艺术空间|VITAMIN CREATIVE SPACE
广州赤岗西路横一街29号301室
2009.01.17–2009.03.31

倒错·失去青春与性的叙事

 

魏祥奇/文

 

如果当代艺术能够构成完整的艺术史叙事，“青春”与“性”作为关键词将主导一条旋律。青春和性本身就是一种能量，尤其凸显于画面中的身体意象。生命，作为一种有趣的经验，似乎永远与性有关，特别是青春期的生命。

李明昌似乎意识到青春对于自己而言可能是个问题，...

演绎情绪·当代艺术中的绘画性研究

 

魏祥奇/文

 

这绝对不是一个需要阐述的论题。

当代艺术的批评模式已经发生很大的转变，即所有的批评家已经建立一种共识：艺术可以乱搞；艺术家可以乱搞；艺术批评家也可以乱搞。换而言之，这是一种自由、没有标尺的状态，客观上尊重艺术语言的多样性、阐释角度的合法性，而唤起的确实是一种让人疲倦的视觉组合。近几年流...

又在深圳看了三晚的艺术表演，其实是当代舞蹈剧场，但已经和传统的舞蹈或者剧场都没有太多相似的地方，有时候更像表演、行为，但不少演员是学习传统 舞蹈出身的，很有趣，或者交叉这个描述很中肯，舞蹈、表演、剧场，既是又不全是，处在三者的交叉地带。一场是吴文光/文慧编导的<37度8报 告>，关于非典；另一场是荷兰双动舞蹈团演员《消逝》和《奇数》，描述两个男人之间的关系，兄弟、朋友、情人...“彼此的关怀、但有时粗糙的沟通 方式，相互的信任，相同的幽默感，还有他们之间沉闷的依赖关系，以及潜在的怒气"，只是无论哪一种语言都无法替代身体的语言...

《 37度8报告》

 

 

 《消逝》

《奇数》

 

（全文摄影：小西） 

前些天去了连州看国际摄影节，天气好好，拍了不少照片回来，哈，这里还有我写的小文章，可以作为连州摄影展的延伸阅读。

 

 

左起：参展艺术家吴昌耀 总策展人 鲍昆 参展艺术家黄瀚贤

左起：年度杰出艺术家银奖得主付羽，金奖得主金江波，艺术总监段煜婷，策展人普雷基，金奖得主骆丹，策展人姜纬，总策展人栗宪庭，连州副市长兰瑞彪，法国《世界报》记者艾曼纽·勒格，鲁迅之子周海婴，年度评委会特别奖得主蔡启文，连州市长黄裕团（郑琦提供图片）

 

艺术总监 段煜婷

鞋厂展馆

 

粮仓展馆

 

粮仓展馆

 策展人Gunther Dietrich 和Robert Pledge

（摄影：小西）

我们的大头名片在小小圈子里面已经散发出去一部分了。随着时间的慢慢增长，逐渐感觉到当初设想的大胆和肆无忌惮。呵呵，但是也不管了，因为一印就是——每人五百张（还要再加上原来印得不好的～～），等到派完的那一天，也许～～嗯哼，我们都不是现在这个样子了吧。

由于平时把平面设计付诸实践地很少，大多数时候都是在电脑上谈兵，到了一旦付诸实物之时才大感烦恼。第一次拿去印时，人家抱怨，你们怎么可以拿photoshop格式来印名片？结果出来的是毛毛的字，充满着像素不足的粗糙感...

 顺便去逛了一些画廊，在香格纳看到很有意思的作品：

计文于+朱卫兵

<people holding flowers >

 韩老师的电影放映室

 

 证大现代艺术馆正在展出邱志杰的个展《庄子的镇定剂》，很值得一看，可惜相机没电了，只是拍了几张图

 

 小西作为这次展览画册编辑，去了上海多伦美术馆，带回不少照片，先发一部分拉~

学术主持杭春晓老师

 

艺术家座谈

 

 中国美院张颖 行为方案：《旅 行 者》

他把自己装在一个自制的木箱子里面，寄出去，拍下其中的过程

下面两张照片是张颖在箱子里面的小洞往外拍的情景 

 

 蔡承良，双屏录像：《退无可退何处为家》

 清水慧美

行为“有机动态—核—” 

 广州美术学院陈志杰作品《速食生活》

 “囧——表达与姿态” 第三届上海多伦青年美术大展 即将开幕，大伙可以下载下面的门票打印入场啊～

展览简介……………………

 

生命是不可以被代替的——方力钧访谈录

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 肖武聪作品，《逃离》，300×690cm ，布面油画，2008

 

《逃离》 局部：

 

 

肖武聪·虚幻的问题

和肖武聪的第一次见面，是在吴建儒策划黄世常个展时进行的茶话会上。大家一起来讨论的话题不仅仅是黄世常画面所体现出的情色味，还包括年轻艺术家们自己对于绘画问题的思考。肖武聪性格有些腼腆，而语言的表达能力还是很到位，他也是一个很强调个人性的艺术家，并且希望自己的创作能够面对自身。随之我特意去看了肖武聪的几幅逢简写生作品，亦因为是写生，其中掺杂着个人的绘画技术以及表现的问题，我就发现肖武聪特别轻松地控制了油彩的倾向性，向整体的灰色调感靠近。而后我又一直问到他数次写生的经历，他回应这种情绪化和生活化的制作能够活跃自己的油画语言，使原本模糊的技巧和灵感得以实现。

但是在毕业作品展的时候，我却意外发现肖武聪竟然画了一批的“情色画”，而此前我对他的视觉印象被完全颠覆了。以至于我惊讶他为什么会创作这些作品？从何而始？受到别人的影响么？他并没有能够回答我的所有问题，他说，就是想画画。理由也挺充分的，任何大而堂皇的说法都变得没有必要。我知道，肖武聪即将经历自身艺术的一个特殊时期。

《逃离》画面非常透明，女人和马都饱含着“水”的细腻感，虽然使用了夸张的桃红颜色，但轻松的绘画技巧使画面平静、温文尔雅。这些作品很注意气氛，虽然是马奔跑的场景，但没有突出速度感，我们听不到马蹄的声音，而是沉寂、轻盈和空灵，如同艺术家自己的梦。裸女和马就那样直接地被构置在一起，干脆又隐晦，使我不知所措。这里肯定有什么东西被抵押出去了。是艺术吗？是内心吗？是技术吗？是中国性、中国意向吗？他索性就把一个不知所谓的空间塞满了光和色，也许事关诗意。肖武聪谈到他喜欢尝试新的东西，我注意到娴熟的技艺已使他不太注意对形象的选择，他可以使用调子将形式补偿完整，这太富有侵略性了。

肖武聪和我谈论《逃离》时，明显使用了救赎的概念。但我并不认同这一点。肖武聪处理画面时取消了阴影，在局部空间使用了亮颜色提醒轮廓线，甚至出现了一些不知道从何处过来的光。但是画面的上部显然存在着光源，女人们的脸因此光而消失了轮廓，沉醉的脸庞表明这个光可能来自上帝也可能来自欲望，这其中有救赎也有绝望。当代艺术发展到今天，《逃离》并不能挑战我们的视觉，我也无法用吓人的概念来圈他，大家多也累了。艺术家还很年轻，肖武聪具有艺术的技艺和思维活力，他希望自己的绘画能够面对和解决些问题、有思考的意识，这些都是当代艺术的发展生态，我认为这样的要求太高了，不切合实际。艺术家首先需要解决的是自身问题，因为我们一开始思考就产生了偏差，需要我们照顾的除艺术观念外，还有对美和生命的体会。只有这样，当我们回首这个年代时，一切才变得真实。

怀旧、欲望与消费想象

龙嘉敏

 

“ 太阳刚刚下了地平线。软风一阵阵地吹上人面，怪痒痒的，暮霭挟着薄雾笼罩了外白渡桥的高耸钢架，电车驶过时，这钢架下横空架挂的电车线时时爆发出几朵碧绿 的火花。从桥上向东望，可以看见浦东的洋栈像巨大的怪兽，蹲在冥色中，闪着千万只小眼睛似的灯火向西望。叫人猛一惊的，是高高地装在一所洋房顶上而且异常 庞大的ＮEON电管广告，射出火一样的赤光合青磷似的绿焰：LIGHT，HEAT，POWER！”

谢玉婷的作品里有一种文学唤起感，至少我这样认为。第一次看到她的作品时，不禁想起了上面那段文字。那是茅盾的著名小说《子夜》的开头，描写的是1930年 的上海——一个繁华的国际大都会。把文学作品和绘画放在一起进行阅读是一种很有趣的过程，如果说文字的力量在于唤醒人们心中的想象，那么图像的作用便是把 画家的想象呈现观者眼前，瞬间在观者的想象空间中产生化学作用。艺术创作的过程无疑是充满想象力的，而理解艺术的过程则更为复杂，有时候已经和想象力无 关，从而产生一种文化分析的可能性。

谢玉婷的作品和茅盾的小说自然没有什么现实意义上的联系，在这里，文学作品给我们提供的是一种通感式的作品阅读语境。三十年代的上海正是处于外国的殖民之下，茅盾笔下的上海却充满了现代感，并且随处透露出华丽、迷人的气息。“Light，Heat，Power！” 大上海似乎蕴含无穷的文化能量。对于谢玉婷的画，这些话似乎都说大了，画面上只是一些零散的物件，留声机、蝴蝶、玫瑰，还有女人。然而用这些拼贴式的细节 去回应茅盾所描述的那个大上海却有着对当代社会的表现力，明显地这种表现力来自折射出一种大众化的记忆碎片式的怀旧情绪，即九十年代以来，中国文化市场出 现的怀旧时髦。有学者认为，怀旧已经不再具有文化寻根和价值重建的意义，而沦为一种毫无历史感的个人化消费。在不少关于文化研究或城市身份的研究中，怀旧 文学被视作一种后现代语境下的消费行为作为批判对象。视觉艺术中普遍存在的怀旧浪潮又多与毛时代的记忆分不开（比如文革、红卫兵等记忆）。谢玉婷的作 品可以说是当下消费性怀旧文化的视觉展现，试图在艺术观念上作出一种怀旧文化的视觉转换，籍此赋予作品以独立性和生命力。

与 不少饱含历史情感的怀旧作品不同，谢玉婷尝试让观众感受一种更加轻质和随意的当代怀旧的现状。《华美的标记》组画共有三幅作品，旧上海殖民时代的繁华旧 梦，美国身体解放的欲望冲动，以及日本电子工业化的蓬勃朝气。三幅作品均以女性的形象作为主题，而特别的是，她们都极其主动地与观者产生肢体或表情上的极 具镜头感的联系。所谓的观者，或许是欣赏作品的人，而我更愿意理解为，把她们作为怀旧符号来消费的人们。在作品《迷失的旋律》中，沉静渐变的色调、深邃的 贝壳星空、稍微带有沧桑感的虚空物象、飘出靡靡之音的老式留声机、含蓄矜持的中国女性形象……这一切，无不巧妙地切合我们对旧上海的怀旧印象和需要。相比 较之下，《自由的放纵》却是另一番大不相同的景象。青春热烈的粉红、漫天飞舞的蝴蝶、性感诱惑的高跟凉鞋与黑网丝袜、舒服柔软的高背沙发，衣着和动作皆惹 人遐想的金发女郎，以及丰满欲滴的石榴——在西方绘画中，诱人的水果经常隐含着对女性身体的象征意味。区别于旧上海那种具有距离感的怀旧想象，该作品那充 满质感与诱惑力的怀旧正不断往观者眼前层层逼近，直到把想象的空间填满。

在 我们高呼消费万岁，并千方百计地拉动各种消费的同时，历史也同样在被我们消费着。当怀旧变成一种纯粹个人的情感化消费需求时，怀旧便会转身过来迎合作为“ 上帝”的我们。或许，这是一种无法抗衡，亦不必抗拒的潮流，大众的最真实的情感需要本来就是最成功的消费指导。然而，跟那些带有消费性目的怀旧文学与怀旧 物品不一样，艺术作品更多的是带有艺术家本人的主观性与创作性，通过视觉的呈现来表达艺术家对社会或自身的洞察、思考与想象。正如上文所说，能在瞬间与不 同观者的内心想象产生不可预测的化学作用正是视觉艺术的特殊魅力和力量所在。在这组名为《华美的标记》系列作品中，谢玉婷对当下社会中的怀旧消费共性有着 国际性视野的洞悉，其思考性、艺术表现力和与观者之间的联系的无疑是比较成功的。

艺术应当重返个体

吴建儒

 

近年来，各界对年轻艺术家的关注可以说是达到一个前所未有的形势，年轻艺术家的地位正在迅速发生改变。媒体、画廊、评论家自觉或不自觉地围绕着新兴的年轻艺术家生产出各种话题，更有不少文章、研讨会试图对70、80的 艺术家创作倾向或者批评方式做分析和总结。提起年轻艺术家，难免会与“图像转向、飘一代、果冻人、卡通、平面、肤浅”这些关键词联系在一起。但我们必须警 惕这些词汇的一次性使用的后果，也就说当这些词汇的意义不具有可持续探讨的可能性时，它便不是一个学术性的词汇，或者说是缺乏问题意识的。正如“80后”这个词被广泛应用到青年艺术家艺术评价文章中间，其效应已经开始慢慢褪色，在和不少艺术家在交流的时候，一些年轻艺术家甚至把该词看作是带着某种不良动机的尴尬标签，可以说大多数真正出生在八十年代后的艺术家都不愿意把自己或者其作品归入“80后”。就如并非所有女性艺术家的作品都可以冠以女性主义艺术之名一样，八十年代出生的艺术家不是全部可以归在“80后”的名下，如果承认“80后 ”是一个学术指向明确的词汇，那它就应该有其特定的内涵，目前看来，这些措辞的当代艺术合法性都值得推敲。评论家把当代的艺术家归类和贴标签并不是一件明 智的事情，当代艺术就像一种带有后现代特征的感觉游戏，有时候小心追问比妄下结论更加有趣。小心追问的对象，我认为应该无比侧重个体艺术家的作品，很多时 候我天真地希望鉴赏能力、崇高、知识、趣味等词汇仍然属于批评词汇的一部分，更希望批评家、画廊、媒体、藏家们能够像关心诸如“图像”、“当代”、“卡通 ”等这些作品的外在评价那样，去关心艺术家以及他们的作品内涵。当代艺术应该回到个体的讨论，要比较清晰的认识年轻艺术家的创作状态，个案也许是良机，在 这里我们不妨以六位广州美术学院的年轻艺术家作为个案展开讨论。

 

黄 世常、胡诚、谢玉婷、肖武聪这四位艺术家处于学院状态，即都是还没有毕业或者刚刚毕业的油画系学生。大量视觉资源的可选择性和架上绘画的死亡论，是当下艺 术家需要面对的基本现状。另外，就他们所处的广东而言，随着“飘一代”艺术团体在艺术市场上取得成功，青春、梦幻的符号（通常表现为一些生活中的琐碎 物），去掉空间的平涂手法，漂亮的色彩（肯定不是脏的颜色），画面通过一些精心制作的琐碎物了迎合人们对年轻人的概念印象（有人称作主动肤浅）。这种常常 被称之为卡通的艺术样式，成为不少美院学生学习、参考的对象。从表面看来这四位艺术家的作品风格差异十分明显，其主题也都不一样，但有一点非常值得我们注 意，那就是从他们的作品中都可以隐约读到一些和当下流行图式（或者说卡通样式）抗争的痕迹甚至结果，但无论是有意还是无意的反抗都脱离不了绘画语言和绘画 主题上的突围。比如黄世常的作品强调淋漓酣畅的“手感”（或者称之为书写性）与平涂的图式抗衡。他的作品有着一种夺目的气势，杂乱水草和不完整的人体，画 面中往往虚构了一些混杂的场景，观看他的作品，我们总会有意无意猜想场景的真实指向，当观众看得糊涂之时把求救的眼光转向作品题目，再一次感觉徒劳，因为 作品全部称作“水门汀＋鱼心草”。其作品表现出来的绘画性更使人着迷，眼睛可以很自然随着笔势、漂亮的颜色和油画颜料特有的质感而游走于画面。胡诚尝试在 画面中拒绝制作精美的效果，他早期的作品还是带着写实的特征，在这一批画作中，胡诚画面的元素越来越少，房子或者简化成线条，整幅画就只剩下一些形象不明 的公仔，这种情况，其实我多少有点担心——画面元素越是简单，其气氛越难准确把握。当看到第十幅作品的时候发现作者的想法正在慢慢成型，胡诚的作品肯定是 和记忆中的中国神话或者外国童话故事有关，他选择了通过简化、粗糙的线条表现。谢玉婷的作品在图式上，无疑是比较安全的，她的优势在于作品中的文学唤起 感，如被殖民化的旧上海、美国的欲望解放和日本电子工业化引起的怀旧感在《华美的标记》组画中都分别得到体现，将怀旧情绪作当代视觉转换，她的尝试是成功 的。肖武聪的作品风格相对稳定，并且强调画面的制作感，既符合学院的规范，有带有前卫的样式，其绘画形式处于写实和抽象的边缘，作品主题略显隐晦、迂回， 回避了主动肤浅的特征。

 

然 而阅读李明昌和陶巧丽的作品，可以轻易发现和上面四位艺术家之间的文化代沟——也是两代人之间的文化代沟。显然，卡通或者反卡通都不在他们考虑的范围之 内。我想他们面对的问题是如何从学院中出走，如何在作品中确立自身的观念价值。李明昌采取的策略是把学院严谨的写实主义传统转化成自身的优势，将观念介入 写实作品中，他的作品隐晦地表现了欲望与克制欲望之间的矛盾。和卡通样式作品的直白和肤浅不同，我们难以痛快的读懂陶巧丽的作品——因为作品缺乏主题，并 且异常冷静。她长期沉迷于探索物与一些的几何形之间产生的可能性，而弱化画面的叙事，作品似乎和作者的生活、经历甚至和所画对象本身都脱离了关系，绘画变 成一种内心放空、净化的过程。可以说其作品的主要魅力正是在于一种反复间画面产生的微妙变化和那些由反复而引起的视觉韧性。

 

可 以看到这些年轻艺术家的尝试都各有挑战，但肯定的是他们都脱离了卡通样式。如果把这样的流行样式称作文化周期，一个文化周期来势很猛，同样也会被下一轮文 化周期替换，显然，现在是时候和“卡通”说再见了。他们的作品或多或少都发掘了各自的“欲望”——或者对现实的感性经验，或者对欲望的克制，或者是对个人 欲望的认识，这些“欲望”的描写相对“卡通”的平白直叙，他们的作品获得一种别样的“真实”，如黄世常的“手感”、陶巧丽反复间的韧性……这些青年艺术家 各自的努力都值得我们期待，对艺术的关注应该重返个体，而不是急忙的归类和标签。

 

2008-7-9于广州美术学院

黄世常的展览于2008年5月8日至22日在广州美术学院美术馆（昌岗路校区）成功举办。

部分现场照片 ：

展览现场

谭天老师和黄世常

 

 范勃老师和黄世常

 王见馆长、陈海老师

 

 艺术家简介：黄世常，1984年出生，2006年考入广州美术学院油系

黄世常油画作品——水门汀＋鱼心草系列：

生命只不过是被使用过的物品

 

 

时间：2008年3月15日

地点：小谷围

参与：吴建儒、魏祥奇、曾伟峰、黄世常、游飘、肖武聪

 吴：一个艺术家的作品为什么呈现这样的面貌，是我们今天要讨论的一个问题。

 黄：我觉得我在创作的过程是很自由的，没涉及太多其他的事情。

 吴：你（问游飘）觉得艺术家不应该涉及太多与绘画无关的事情，比如策划展览就不应该是艺术家本人要做的。他所画的东西应该是自己的，自己内心所要表达的，你觉得他画面，跟他的本人是不是相吻合的？他画得非常老到，你觉得他是不是那样一个老到的人。

 飘：也可以这么说，他是用一种成熟、老到的手法，某种程度上掩盖他幼稚的简单内心，这也许是“80后”艺术创作的一种新方向。

 吴：你（问肖武聪）也是他同学，你觉得黄世常的作品如何呢？

 肖：或者说什么想法都没有，感觉有点空，哈……

 魏：如果把你全部作品一字排开看，是很有气势的，但是每张单独看的话，画面让人感觉不完整，看起来有草稿性质。

 黄：我的画关注的不是细节。我画创作的时候从来不起草稿的，也是不会去想太多构图，每次在画之前就大概考虑一下颜色，就动笔了。现在没有将画面那种完美的因素考虑在内，没有考虑过做的很完整、做得一点缺陷都没有。   

 吴：是的，现在让我们对你的画作出评价，有时候我们会产生某种“贪念”，就是说我们每个人对你的画面都有一种渴望，有些人渴望在你的画看到更多细节，有些人渴望看到更多的情色，这些都是不可避免的，就是看你自己怎么处理，怎么选择。

 肖：其实画面要做得精，做得好看，说白了就是做得溜一点，这个我觉得不难。但不能献媚，努力讨好观众的艺术家是有问题的。

 曾：他的画给人感觉画得很快，很有激情，但是给人缺少一种耐看的东西。现在可以适当做点肌理效果，你看邓箭今的画，虽然跟你是同一种题材，但是他有一些很耐看的肌理效果，比如一些画面上的小符号，小细节，有些东西做的比较细，我觉得在这方面你可以稍微参考一下。

 飘：从技术角度来说，他不想做得太直白，把技术的东西往后面隐藏了一下。

 吴：说说你作品的主题。

 黄：我觉得青春期的成长对自己的影响挺大的，它关于幻想，关于某种私密物品。

 吴：你的作品是与性有关，这点没人有异议，但如果仅仅是关于性，那也未免太简单了。

 肖：还有暴力、受虐？

 魏：其实这不仅是个艺术问题，还与一种道德有关，与这一代人的道德底线有关，比如我们这一代人，也就是80后如何看待自己的私生活。

 黄：或许是信仰的问题。

 魏： 那也不是信仰，可能是一代人的普遍心理反映，他有可能代表一个时代的形象，以后回头我们来看这个时代，认识这个时代，艺术品是一个很好的例子。这种关于性 意识的绘画，还有一个问题：如何让大众接受的问题。我们圈内人看可能是挺好的，但是放到一个社会的层面上来看就有问题了。

 曾：直接就拿出来挑战公众的接受能力。

 吴：决不能低估了大众的接受能力和理解能力，不要以为艺术家就很特别，其实我们能理解的东西一般大众也能理解，有时候由于我们的立场不同，对一些人会有想象，但其实和他们的本身看法是有偏差的。

 魏：我的意思是怕他的作品拿出去被人家误读。

 吴：我觉得误读倒没有关系，误读也是一种解读。

 魏：我感觉画面还把这种个人感观的东西赤裸地呈现出来，不但是一种自我的迷失，同时满足我们所有人的偷窥欲望。

 飘：这个问题的判断是准确的啊！

 肖：他把很隐讳很掩饰的东西掏出来，裸露在大家面前，我觉得也不太像，不是问题的关键，其实你们的阐述很重要，很有引导性。

 吴：我觉得这个问题也是可以探讨的，因为我们如何评价，甚至可能对他产生引导。这涉及到他往后怎么画的问题，涉及到他以后10年，20年后怎么画的问题。

 魏：你关注当代艺术吗？会不会觉得别人画的比你好？

 黄：在创作过程当中我会留意着旁边所有的人的状态，对整体有个了解，大概知道自己的位置在哪里。不在乎画的好不好。我不是说别人怎样画我就怎样画。

 肖：学习别人是为了和别人拉开距离。

 曾：他一路下来画到现在这种类型，是一种认识上的转变。

 魏： 其实我们这个世界上，我们每个人的经历都是相似的，包括我们对痛苦的感觉，我们一样会引起心理上的反应，我们看到快乐的东西，会产生同样的兴奋。画画这种 东西始终在不停地临摹，不停地在突破，其实你改变一点点，从整个艺术史来看就变化很大的了，像画一个形象，很难创新的，那么多人在画画，我们要求的只是一 点点的变化和革新。

 吴： 创作和批评是不可以脱节的。如何在相同的图像资源里面创造出新的作品，很多时候是靠观念上的创新。如果一定要说你以前画的大头形象和别人的在意义上有什么 区别，那就是他们所代表的意义是已经被放大到一个社会的层面上了，而现在你再模仿，画那些大头意义只能落到你个人经历上。

 黄：实际上我们也是去摸索，去探索，我们是在痛苦之中……

 魏：中国文人讲究人品。如果我觉得这个艺术家品质非常好，还有一种坚持的精神，我会从他身上看到一种努力！我会很尊重他，就算现在很穷，又卖不出画，但我相信他最终会成功的，对这种人要有信心。我也相信你自己走到现在是有一个变化过程的，而不是突然冒出来的一种图式。

 吴： 我们还是回到黄世常现在那批画吧。我的第一感觉就是画得很猛，而且还有情色的意味，画面效果你是做到很不错了。其实内容本身是什么，是无所谓的。问题是你 这背后最终想表达一种什么样的东西，比如说性别之间的关系？还有你自己对性的看法，或者其他，我很想知道你对自己绘画的一种思考。

 肖：其实我觉得他就是最直接地就描述一种自己对现实的看法，有时候是感觉生活是很美好的，但有时候感觉生活是很绝望的。

 黄：只有快乐没有幸福，失望代替了希望。当我们在享受的时候，下一秒不知道会怎样，所以我常常会把漂亮的东西，放置在危险的场景中……

 飘：他是不是真的有这样的感觉，还是受了其他人的影响啊，如果这些图式和题材成为下一种流行，那就有问题了。

 吴：他从本质上来质疑你作品的意义和价值。

 黄：我的画本身放在一个社会中也许是没意义的，但对于我个人而言还是有一点意义的。

 肖：只说明他认识的现实是这样的……

 魏：我现在明白你的意思，你在做的东西，只代表你自己，也没有认为比别人做的更好。

 肖：但起码要找到和其他人的区别。

 吴：你是表达对性的恨还是对性的爱，还是……

 飘：他也可是模糊的状态。

 肖：他也可以仅仅是表现。

 黄：想得到但是得不到。

 吴：不会吧。

 魏： 主题其实在我们讨论过程中可能越来越明确了。他就是表现了一种极端个人化的东西，同时你还要做到最狠，拿作品出来给别人看的时候，要很有自信，很成熟，另 外它还要有一种完整性和可持续的空间，这批作品只是你一个过程，但这个过程你拿出来的作品还是比较成熟、能说明问题的。

 吴：我觉得在主题这一点还可以探讨。比如他的作品有折射出来关于人和人之间的关系，这种关系复杂的、隐晦的、在性之外的。我始终希望可以听到他说自己的看法。

 黄： 之前有人看我那批画的时候，首先是想到性，还有点暴力，像老吴就说那是“美丽的死亡”，用美丽的色彩表现死亡。不一定全部是表达性，从多个方面去表达同一 个东西，就是有一个意象包括对生命的看法，包括对这个社会上强权的一种看法，我有时候觉得性和权力有关，但是它又很美好。或许画面中还有一个倾向，我一直 没有说出来。我将一个半截的人体，放置在这样的一个环境当中，人的生命只不过是某种物品，只能被消耗，随后被丢弃。其实是关于我们这个时代萎靡的精神生 活，那些零碎的肢体，象征着当下普遍萎靡的阳痿的社会。关于崇高的一切都被性颠覆掉。

 魏：有点暴力美学的感觉。

 吴： 性又成为控制的工具，当一个人在最享受的时候同时就被自己的欲望控制了，然而自己毫无感觉，这种情况倒是有点可怕。像毕加索，我们都知道他是一个性欲很强 的艺术家，他早期有一批作品是描绘他和妓女鬼混的时候的感受，那种画面主题和你的相同，只不过你是描绘过后或期盼发生的情形，而他是描绘性爱当时的情形， 有评论家说，是阿威农的妓女成就了一位艺术大师。

 曾：这样说着他本来模糊的语意被我们阐释得越来越清晰了。

 摘自《水门汀＋鱼心草——黄世常油画作品集》

                                                                         

发泄或者策略

——关于黄世常的绘画

 

吴建儒/文

 

第一次看到黄世常的画是在一个空旷的课室里，几十幅109×205cm的 油画靠着课室的墙排开，窗户的阳光很强，画面泛着若隐若现的反光，隐约中，我看到了树林、水、水草、女人（或男人）的身体局部……如果承认这些都是与性暗 示有关的符号，那么黄世常的画面就给我们展示了极其个人化的私密的想象景观，这种展示，不但满足了他自己的发泄欲望，也是对观众无意识的偷窥心理的投机， 加上作者熟练的油画控制能力，黄世常在这一批新作中获得了一场值得肯定的视觉胜利。

黄 世常目前还是一名油画系本科生，但是在同届人中间已经初露头角。在和他谈话的过程中，我感受到他作为艺术家的自信以及清晰的绘画探索思路。从刚开始的静物 画，到下乡的风景写生，再到如今的创作，我们从画面上可以看到带有延续性的探索过程。在《水门汀＋鱼心草》系列之前，黄世常在陕西采风的时候画过一批风景 画，他没有去表现北方黄土高原的空旷和荒凉，相反，变形、杂乱的树枝在他的笔下充满了生命力。那批风景的痕迹逐在后来《水门汀＋鱼心草》系列创作中的画面 元素如水草、树林、铁丝网等中间隐约呈现。黄世常也谈到他曾经创作过一些当下流行的以大头形象为题材的作品，但最终还是放弃了，原因是他认为当下流行的以 大头形象为题材的绘画已经不再具有原创性和发展空间，所以他只把大头系列作为技法训练或者是一小段时间内的情绪表达。从这个思考和选择的过程中可以发现， 黄世常对身边的创作气氛非常敏感，并且保持着警惕性，小心翼翼地避开主流，规划自身的艺术创作道路，从这一点而言，黄世常走得比同龄人更快。

在 《水门汀＋鱼心草》系列中，黄世常紧紧地抓住了生活中非常自信的东西，那就是对性的直接体验和想象。性在艺术史上是一个永恒的题材，例如，在安格尔笔下， 那圆润丰满的女人，既是对肉感的崇拜也是对性赤裸的描绘；大卫·霍克尼画面中阳光灿烂的、略带安静的水花，带有强烈的同性恋暗示；为不少东方绘画所用的一 种窥视或一瞥式的构图，巧妙地描绘性爱中朦胧的不言自明的快乐。在黄世常的画面中，性的印象是复杂的。有时候他把漂亮的女人大腿构图在水草之间，大腿优美 的曲线和水的柔软结合，非常和谐，这时候的性或许是明媚的、美好的；在一些画中，女人的大腿放置在阴暗的树林中间，暗示了性是充满无法预料的危机与互相猜 疑的；还有一些画面隐约看到裸露下半身的男人躺在水草中间，透露出男人在欲望的支配下完全失去自我控制的能力。我很好奇，黄世常是否对女人的美腿怀着一种 近似恋物癖的感觉——他不厌其烦地画那些漂亮的，穿着丝袜和高跟鞋的女人大腿。事实上在精神分析理论中，恋物癖是一个十分重要的概念。心理学家弗洛依德认 为男性恋物归因于童年时期由阉割焦虑造成的创伤[1]，男人只有借助某些他称之为“恋物”的特殊物品，才能获得性满足。这里的重点不是分析黄世常是否有恋物情结，而是借助“恋物癖”的概念，感受他的“恋物”——穿丝袜、高跟鞋的脚，同时感受他在画面中宣泄出来的快感。

黄世常从年龄上看属于80后的艺术家，他们在创作上存在某些共性。他们大多不再采用宏大叙事的艺术创作手法，不再抱着理想主义或者历史责任感进行创作，他们的作品大都立足于个人的日常生活经验，重视自我价值，表达的内容简单直接，风格鲜明，这和他们的生活态度和价值观有关。80后 对传统的道德观念是不在乎的，其底线也是模糊的，他们更尊重个人的感觉和身体的需要，对性的观念就是一个明显的例子，即使不像黄世常那样在画面直接袒露， 许多年轻人都不回避性这个主题。同时，传统道德标准的舍弃，给年轻人带来了新问题，或许这又是一个理解黄世常作品的角度，他说：“我画这些事物完全是感觉 自己需要去表达，因为我认为性是一件很美好的事情，在艺术中表达我对性的体验是我近期的创作动机。”自由主义带来了的对人心灵的冲击，当所有的传统观念不 再成为束缚的时候，新的问题出现了——到底什么样的满足才是真正的满足？我想，艺术在这种情况下是可以平衡一个人内心的失落和冲突的，通过艺术，内心中的 狂热和不安都能得到发泄。

任何对于绘画的阐释都不足以概括一个艺术家希望表达的内涵。黄世常，或者说80后 一批年轻的艺术家确实受到很多人的关注，但是我们不能忽略这些人年纪尚轻，在将来漫长的艺术创作道路上，他们将如何坚持和发展自己的艺术方向才是重点，他 们如今迫切需要的是一个良性的可持续的艺术创作环境，而不是急功近利的追捧。黄世常的绘画到底是纯粹的青春期的内心发泄？是带有问题意识的艺术实践？是一 种有意无意的当代艺术策略行为？或者是上述问题之间博弈与磨合的结果？无论如何，在肯定他绘画风格相对稳定、油画材料运用纯熟的基础上，我们应该保持一种 开放和乐观的心态拭目以待。

 

 

［画家简介］
伍思波
1977出生于广东粤西
1997年毕业于轻工业部广州轻工业学校
1997-1999年于茂名新世纪学校担任美术教师
2001-2005年就读于广州美术学院油画系
现居广州

参加展览：
2002年“城市之光”当代艺术展 广州汇贤楼
2003年 “微波”展 广州park19
2006年 “逍遥游”四人展 广州枕木吧
2007年“聚沙塔”2007中国新锐绘画作品展 北京炎黄美术馆

 

 

旁    观

文/吴建儒

 

贡布里希在《艺术的故事》开篇第一句话就是“没有艺术这回事，只有艺术家而已”，对此，贡氏曾在一次访谈录中作出解释，他认为“艺术”这个术语有多层被强加上去的意义，在文艺复兴时期，arte即art，指的是工艺技巧、技术能力而不是现在所说的艺术，而今天所说的艺术常常带有一种价值判断[1]。 贡氏这些观点提醒我们，所有关于艺术的定义都是人为的——艺术没有本质，所谓的艺术和非艺术都由我们界定。另一方面，我把这句话的含义理解为，在评判和观 察一位艺术家的时候，应更重视艺术家个人历程，包括生活和心灵的历程，画家用绘画语言说话，因此艺术作品应该是个人的、私密的，但同时作品也该也应该是可 以通过艺术家的历程来辅助阅读的。

上面的话似乎说大了，和伍思波的展览没关系，但我想，上述的思路会有利于我们理解伍思波的作品。伍思波出生于1977年，2005年毕业于广州美术学院油画系，从年龄上看，他作为艺术家的身份有点尴尬。相比起来，不少70后的艺术家早以成名，目前的市场更青睐80后的艺术家，而伍思波作为职业艺术家却只能靠教美术升大班来勉强维持生计。伍思波出生在粤西的一个小城市，童年开始喜欢画画，20岁在家乡一间中学做美术教师，后来去北京“漂”过一段时间，最终选择回广州考美院。我很惊叹他对自己这种反复的和窘迫的人生经历所表现出来的坦然，用他自己的话说那是因为“我真的在画面中体会到满足”。

伍 思波作品的主题主要分成两部分，一部分是关于他的家乡，另一部分是关于他在广州的生活环境（即南昌街一带）。作品的观察视点就是日常生活，表现手法非常朴 实。比如，一个女青年站在臭水沟的桥上；一辆小巴开过镇上的小路，屁股还冒着白色的烟；在典型的城中村里，三个光着膀子的男人同时抬着头，望着身旁没有人 的房子；三个年轻人开着一辆摩托车从桥上经过。诸如此类，每个场景都来自他生活中的一瞥。画面中的人物让人联想到城市中那些卑微的角色，他们可能有工作， 也可能没有工作，在街上茶余饭后无所事事的，游手好闲的青年人。在我看来，这些日常的、略带安静的情景，是艺术家对事物宿命的思考。一瞥式的生活场景、卑 微的社会角色都暗示了一种不可逆转的命运和流逝的、无法重复的年岁，也是艺术家对自身生活经历的真切感受，如同他自己的陈述：“我只是继续平实无奇地叙述 我目光所触及到的，那些让我感动的人和物，继续那些平淡、隐晦的‘悲情’”。出生在农村的他，在各个大城市“漂”过之后，内心无疑充满落差感——既有内心 强烈的理想主义情结与现实生活之间的落差，也有小县城与大城市之间物质水平的落差，或者前者更为严重，而这恰恰使他为自己的内心找到一个更高的平衡点—— 他既没有努力成为一个物质生活富裕城市人，也没有选择隐逸于乡村。伍思波的创作态度代表了当下艺术创作的一种倾向，那就是重视个人的日常生活经验。

艺 术家或许是社会中最先敏锐地察觉到问题所在，并且自由表达出来的人群。中国的城市化进程，现代化冲击，消费文化浪潮等因素，造就了当代艺术中一批带有批判 意识的艺术家。这些艺术家的作品都带有强烈的问题意识，认同什么，反对什么，旗帜鲜明。（实际上，批判是具有功能性的，它很容易就把个人内心的某种核心价 值观——如自由、正义、崇高等实体化。）同样经历这一切的伍思波，自觉地抽身成为一名旁观者，和艺术潮流保持着相当的距离，当各种潮流褪去或转换之时，他 还是按照自己的艺术方向前推进。我想，现在还不是对伍思波的绘画历程作总结的最好时机，艺术探索应按照自身的逻辑，使风格逐步形成一种内在的牢固。伍思波 立足于日常生活的基本创作思路已经初见成效，绘画对他而言并不是一种职业，也不是一份工作，而是成为一种生活态度和对事物观察的本能。

 2008-6-29,周日,雨,1201

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